Les péripéties de
G L O W Z I

Bonjou, kouman ou ye?

This Song Sounds Green

Joujoux locaux et trésors oubliés

À la découverte du Centre International de Documentation et d’Information Haïtienne, Caribéenne et Afro-canadienne (CIDIHCA)

Le mois des monstres, des feuilles multicolores et des friandses est finalement arrivé! En ce début de mois chaleureux, je tiens à vous offrir trois nouvelles propositionsmensuelles, soient : un vinyle, un livre ainsi qu’une boutique de vinyle locale. Question d’honorer les magnifiques couleurs de la saison qui est désormais en place, je vous propose le vinyle Outside de la formation musicale haïtienne Orchestre Tropicana. Ce classique musical saura vous garder bien au chaud lors des fraîches nuits d’octobre. Le livre du mois que je vous propose s’intitule Tante Resia & Les Dieux (L’Harmattan). Ce dernier réunit diverses nouvelles fantastiques écrites par l’auteure haïtienne Yanick Lahens. Finalement, afin de donner un endroit de références à «celleux» qui voudraient faire le plein de vinyles pour épicer leur quarantaine, je vous propose la magnifique boutique La Rama, située au 77, rue Bernard ouest. Kris et Gene, les chaleureux propriétaires de cette véritable caverne d’Ali Baba musicale, sauront vous guider et vous faire découvrir des sonorités que vous n’auriez jamais pensé apprécier.

Étant donné que je suis déjà sur une lancée axée sur la découverte de joujoux locaux, je tiens à vous faire part de ma plus récente découverte.

C’est dans le cadre de ma participation en tant qu’historienne de l’art et artiste multidisciplinaire à l’exposition « C’est ce qui me somme de les sommer » créée par la curatrice Joséphine Denis que j’ai découvert le trésor bien caché qu’est le Centre International de Documentation et d’Information Haïtienne, Caribéenne et Afro-canadienne (CIDIHCA).

À quelques pas de la station Champs-de-Mars et perché au quatrième étage de l’édifice situé au 430 rue Sainte-Hélène se situe le CIDIHCA, soit un endroit phénoménal réunissant récits, lettres, photos, livres, pièces de théâtre et multiples autres types d’archives mettant en valeur ou plutôt commémorant les individus issus de communautés haïtiennes, caribéennes, et afro-canadiennes. S’étant donné pour mission d’éduquer la jeunesse locale, l’équipe du CIDIHCA œuvre avec un large réseau de partenaires allant d’institutions universitaires à des organismes communautaires ainsi que des musées et des maisons de la culture. À travers ses expositions, le Centre illustre brillamment les aspects les plus actuels et les plus vivants de l’histoire des Noirs d’ailleurs et d’ici, et ce, tout en faisant la promotion d’une meilleure connaissance des culture caribéennes au sein du milieu canadien. Chaperonné par le sympathique et énergétique Franz Voltaire, le CIDIHCA est un pilier de la récupération, ainsi que de la préservation de l’histoire souvent oubliée ou effacée des communautés Noires d’ici et d’ailleurs.

“Ke’m pa sote woy!”
“Ke’m pa sote woy!”

“Ke’m pa sote” was the first “rara” music I was ever introduced to. It is via my mother’s small and peculiar radio blasting from the kitchen that the radical melodies and words of the Haitian group Boukman Eksperyans reached my ears, which, up until that moment, were solely familiar with Haitian zouk and kompa. The latter song particularly grabbed my attention due to its rawness; the intricate sounds of bamboo and body percussions responded to one another effortlessly while the singers’ raw and heartfelt vocals smoothly glided over complex horn melodies. Upon accidently encountering this musical genre, I was immediately prompted to do some research about the music my mother referred to as “rara” and “kanaval mizik”.

Said to have begun in the 1700s, “rara” music is one of the many cultural manifestations of the resistance and resilience of African-Caribbean enslaved people in the face of French colonization. The first instance of rara reportedly took place on Easter Sunday in Saint Domingue.

Some speculate that the lower-class and oppressed citizens of African descent organized and marched as troupes, parading through the streets with drums, horns, and singers belting in rich Creole.Although there are no known official documentations of these originating claims, intergenerational stories support the latter. Mainly comprised of songs and melodies passed down through generations, “rara” music grounds itself on the following musical elements: large sets of cylindrical bamboo trumpets called vaksen, percussions such as drums, maracas, and güiras, brass instruments such as trumpets, and the voices of people participating in “rara” parades. As “rara” music has historically been used to either celebrate Blackness and/or predate independence struggles, most of its songs’ lyrics have for theme(s) difficult topics such as poverty and social disparities, and are strictly sung in Haitian Creole. Being a vestige of Haïti’s rich and complex history as well as of the resistance and resilience of its people through centuries, “rara” music is a celebration of Blackness, a call to action, a gut-wrenching homage to those who have died in the process towards liberation as well as a tool of storytelling through which the stories of Haitian peoples escape the wrath of time and oblivion.

L’heure d’été a officiellement pris fin et le mois de novembre est là. En ce temps plutôt frisquet et venteux, je tiens à vous offrir trois nouvelles propositions mensuelles, soit un vinyle, un livre ainsi qu’un court-métrage.

Le vinyle du mois s’intitule BUBBA. Il est du producteur Haïtien-Canadien Louis Kevin Célestin, mieux connu sous le nom de scène KAYTRANADA. Les sonorités éclectiques du deuxième album de l’artiste local vous donneront envie de danser et de chanter tout au long du mois de novembre.

Ma proposition littéraire du mois est un recueil intitulé ZOM-FAM (Metonomy Press) de Kama La Mackerel. Se déroulant durant les années 1980-1990 sur une île de plantation et étant uniquement composé de magnifiques poèmes, ZOM-FAM (qui signifie « homme-femme » ou « transgenre » en créole mauricien) raconte les péripéties d’un enfant « gender-creative » recherchant le vocabulaire approprié pour aimer et honorer sa « queerness ». Kama La Mackerel est un artiste multidisciplinaire. ZOM-FAM est le premier recueil de poèmes publié par iel.

Afin de vous faire voyager dans le monde par le biais de créations artistiques visuelles et littéraires, ce mois-ci, je vous propose le court-métrage ALLUMAH réalisé par Curtis Essel. Le réalisateur illustre là des proverbes en provenance de quatre tribus africaines, tout en rendant hommage à la mémoire de sa défunte grand-mère.

Le mois dernier, je vous ai fait part d’une de mes récentes découvertes, soit le Centre International de Documentation et d’Information Haïtienne, Caribéenne et Afro-canadienne (CIDIHCA). Ce mois-ci, je tiens à vous présenter une autre magnifique initiative locale que j’ai découverte il y a de cela environ trois ans : la librairie Racines.

C’est par un article rédigé par Canada’s National Observer que j’ai été introduite à la librairie Racines ainsi qu’à sa fondatrice Gabriella Kinté. Dans le but surtout de pallier le manque flagrant d’ouvrages littéraires rédigés par des écrivains et d’écrivaines issues de communautés marginalisées, Gabriella Kinté a ouvert la librairie Racines en août 2017. Réunissant romans, dictionnaires, livres illustrés, affiches illustrant des personnes de couleur et/ou noires, ainsi que multiples autres œuvres littéraires et objets créés par celles-ci, la librairie Racines est un espace communautaire au sein duquel celleux qui sont souvent oubliés et/ou effacés au sein des circuits culturels et artistiques locaux se font rappeler que leurs histoires, leurs voix, ainsi que leur présence comptent. Si cela vous dit de voyager à travers le monde afin de découvrir de nouveaux horizons, et cela sans avoir à prendre l’avion, je vous invite fortement à aller faire un tour à cette librairie située au 6524, rue Saint-Hubert à Montréal.

On November 12^th, Metropolis Bleu launched the first digital edition of its initiative “Hope to Remember”. Reuniting amazing thinkers, writers, artists, and audience members from all around the world, this digital masterpiece lasted five days during which enlightening discussions, warm ceremony awards, beautiful storytelling sessions as well as two exhibitions took place. Having had the chance to attend some of the multiple events of the rich programming Metropolis Bleu offered, my goal today is to share with you three elements of “Hope to Remember” which particularly marked me.

First and foremost, the fact that the voices of people whose histories are often systematically relegated to the margins and/or erased were central within “Hope to Remember” is an element that I found absolutely brilliant. As acts of “remembrance” often exclude the retrieval of the stories of Black, Indigenous and people of color, “Hope to Remember” or rather Metropolis Bleu’s decision to feature so many panelists unearthing and sharing forgotten legacies of marginalized people to the grand public disrupted notions of “collective memory” by reminding its audience members – including myself – that the latter has and is still hindering our abilities to retrieve stories which deserve to be known and heard. Secondly, the gigantic array of subjects the panelists touched on throughout their presentations absolutely blew my mind. While Cecilia Szperling and Cheryl Thompson exchanged on their anti-racist and feminist practices within and outside of the literary world, Joujou Turenne, Yara El-Ghadban, Émilie Nicolas, and Blaise Ndala honoured Nelson Mandela as well as his legacies, and poets Lorrie Jean-Louis, Joséphine Bacon, Laure Morali, Emné Nasseredine, Laura Doyle Péan, Rodney Saint-Éloi, Rachel McCrum, Flavia Garcia, Katia Grubisic, Frantz Benjamin, Selma Tannouche Bennani, and Soheir Fouzat – accompanied by Zal Sissokho at the kora – took audience members on a digital trip around the world.

I could enumerate every single subject panelists brought forward throughout Metropolis Bleu’s beautiful digital initiative, but I would rather give you the chance to discover the latter on your own through the free rediffusions of “Hope to Remember” events available via www.bluemetropolis.org/hope

Thirdly and finally, the set-up of not one but two digital exhibitions were the icing on the cake for me. The combination of the ingenious use of archives within Zinnia Naqvi’s “Through the Gaze of Others” exhibition, and the simultaneous singularity and familiarity of the subjects captured by Michael Abril through his “Encuentros” exhibition made the latter visual chef-d’oeuvre brilliantly visually render what “Hope(s) to Remember” can potentially look like.

Despite the current pandemic preventing us from gathering in person, Metropolis Bleu brilliantly managed to create a gigantic table to which everyone was invited. Centering itself on the notions of mobilisation and exclusion, “Hope to Remember” is an amazing literary and visual initiative I am beyond thrilled to have had the chance to witness from the comfort of my bedroom.

Hopefully, we will be able to gather in person to witness its upcoming editions in a near future.

Le 12 novembre 2020, en simultané avec le lancement de la première édition digitale des Journées Mémoires pour l’Espoir, les Rencontres Internationales du Documentaire de Montréal (RIDM) ont donné le coup d’envoi à la 23^e édition de leur festival annuel. Rassemblant documentaires, cinéastes et avides d’œuvres cinématographiques d’ici et d’ailleurs issus de maintes parties du globe, cette première édition digitale des RIDM a su favoriser divers espaces d’échanges entre cinéastes et membres du public, et ce, malgré les restrictions posées par la pandémie actuelle.

Fondées en 1998 par un regroupement de cinéastes documentaires du Québec, les RIDM ont toujours visées à mettre de l’avant les meilleures œuvres documentaires locales et internationales. À ses débuts, le festival offrait une sélection de 40 documentaires en 5 jours. À présent, les RIDM proposent environ 150 œuvres cinématographiques à son audience rassemblant plus de 63 000 spectateur.trice.s, et ce, tout en lui offrant une riche variété d’activités connexes telles que des rétrospectives, des tables rondes, ainsi qu’un marché du documentaire depuis 2004.

Ayant pour thématique « Confronter l’Histoire », la programmation de la 23^e édition des RIDM a offert une riche sélection de 109 œuvres documentaires locales et internationales traitant de thématiques contemporaines allant du rapport à la nature aux visions dystopiques, en passant par les enjeux du cinéma engagé. Réunissant tables rondes, dialogues, balados, une séance d’écoute publique, une soirée de la relève Radio-Canada honorant de talentueux.ses cinéastes locaux émergents, ainsi que divers entretiens avec des créateur.trice.s soigneusement sélectionnés par l’équipe des RIDM, cette première édition digitale du festival m’a émerveillée. Malgré le fait que mon horaire chargé m’a empêché d’assister à tous les événements proposés tel que je l’aurais souhaité, je tiens à vous faire part de trois coups de cœur cinématographiques créés par d’incroyables cinéastes de la relève locale : « Trait d’Union » réalisé par Laura Kamugisha, « Bâtiment X » réalisé par Stéphane Mukunzi et « Mémoires Tangibles » réalisé par Nicki St-Louis. Question de vous laisser le plaisir de découvrir ces œuvres cinématographiques sensationnelles, je m’abstiens de vous donner quelconque résumé ou compte-rendu de ces dernières. Toutefois, je tiens à souligner qu’elles sont toutes empreintes d’une douceur sans égal et de récits qui tendent à tomber dans l’oubli.

Avant de vous laisser vaquer à vos occupations, je tiens à vous laisser sur un lien vers les 109 documentaires présentés dans le cadre de la dernière édition des RIDM, en espérant que ces derniers sauront vous émerveiller.

Lien vers les 109 documentaires : https://ridm.ca/fr/films

The holidays are right around the corner and unfortunately, neither our extended family nor snow will be making surprise visits this year. Although grayness and loneliness seem to be permeating every single realms of our current daily lives, I am writing this eighth entry with the hopes I will be able to send light your way through this month’s artistic recommendations and discoveries. In order to help you find the sun within when it fails to show up in your neighborhood’s skies, my vinyl recommendation this month is Dilijans by the Haitian group Ayizan. Brilliantly combining jazz and rara elements to weave beautiful and warm melodies, this vinyl will remind you of the beautiful sun of July. My monthly literary recommendation is États d’âmes by Josiane Ménard. Released in 2018, this beautiful collection of poems, journal excerpts, personal thoughts and memos will remind you of the intricate similarities we share with one another as well as of the little things in which we can find solace and joy. To conclude my artistic recommendations of December, please allow me to introduce you to the amazing multidisciplinary artist Manuel Mathieu.

Approximately a year ago, a good friend of mine invited me to a gathering. Upon arriving at the address she sent me, I was quite surprised or rather pleased to be surrounded by beautiful unfinished abstract artworks. As someone who absolutely love earth tones, the pieces’ colors as well as their gigantic sizes truly amazed me. Little did I know at the time that the artist behind these amazing pieces was none other than Manuel Mathieu.

Born in Haïti, Manuel Mathieu is a multidisciplinary artist who is currently based in Tiohtià:ke. Holding an MFA from Goldsmith’s College (London), and having exhibited in multiple countries such as England, Belgium, China, Martinique, Morocco, and many more, Mathieu’s work brilliantly fuses elements of Haitian visual culture with abstract and figurative techniques he learned throughout his academic formation(s).

Through his artworks, the artist draws viewers into personal identity explorations and interests ranging from articulating his positionality from a multitude of realities and perspectives to preserving and honouring Haitian imagination. Having the particularity of being context-dependent, Manuel Mathieu’s abstract imageries skillfully investigate a plethora of themes such as historical violence, erasure, and the possibilities of Haitian futures all the while fostering interactive spaces for viewing audiences to let their collective imagination(s) roam free.

Embracing the notions of vulnerability and ever-lasting changes, Mathieu, through the marrying of abstract and figurative techniques, carves out multiple thinking spaces for viewers to reflect on their own vulnerabilities and to consider the different futures the act of remembering can create.

If you would like to penetrate Manuel Mathieu’s artistic realms [from the comfort of your home], I strongly recommend you visit the following links to properly initiate your immersion:

1. https://www.manuelmathieu.com/
2. https://www.artsy.net/artist/manuel-mathieu
3. https://www.frieze.com/article/we-are-rebellious-souls-manuel-mathieu-imagines-caribbean-future

Recent exhibitions in Montreal (over):

Relations: la diaspora et la peinture, PHI Foundation for Contemporary Art

Manuel Mathieu : la beauté et l’amour comme inquiétude, Galerie Hugues Charbonneau

Survivance, Montreal Museum of Fine Arts

In Toronto:
Worl Discovered Under Other Skies, The Power Plant Contemporary Art Gallery (until January 3, 2021)

Bonne année 2021 à toustes! J’espère que le début de cette nouvelle année a su vous apporter du bonheur, de l’amour et du repos, et ce, malgré les présentes mesures de distanciation sociales qui nous empêchent de câliner et d’embrasser plusieurs de nos proches bien-aimés. Sur la lancée de décembre dernier, je vous fais trois nouvelles propositions mensuelles qui sauront vous apporter confort en ces temps d’isolation et de confinement.

Premièrement, je vous propose le vinyle Absolument par le groupe haïtien Coupé Cloué. Les sonorités chaudes, éclectiques et entrainantes de cette magnifique création musicale de la populaire formation musicale haïtienne sauront vous donner envie de danser, même lors des journées grises. Deuxièmement, question d’honorer la merveilleuse plume d’artistes locaux, ma première recommandation littéraire de l’année est Rice Grains & Golden Frames écrit par Kat Charles. Publié à compte d’auteur, ce doux premier ouvrage de l’artiste multidisciplinaire est composé d’écrits remplis de douceur, d’honnêteté, de vulnérabilité et d’espoir. Finalement, pour faire changement, je vous propose une fragrance (oui, oui, vous avez bien lu), ce sera celle du mois : Trésor, une eau de parfum de Lancôme.

Malgré le fait que la présente situation sanitaire à l’échelle mondiale nous empêche de sillonner Montréal en quête de nouvelles attractions, je tiens à vous faire connaître un joujou local que j’ai pour ma part découvert en 2019 : le centre d’information ARTEXTE. Bien caché au sein d’une grande bâtisse située au numéro 2, rue Sainte-Catherine est, ARTEXTE est un lieu fort intéressant comprenant une bibliothèque, ainsi qu’un centre de recherche et d’exposition d’art contemporain. Il abrite plus de 30 000 publications couvrant diverses facettes de l’art visuel qui va de 1965 à aujourd’hui, et son importante collection de documents témoigne des contributions faites par des artistes locaux et internationaux aux scènes artistiques à travers le monde. Ayant pour mission de préserver des archives de l’art contemporain sur place et en ligne, tout en favorisant la recherche à partir de sa vaste collection et en offrant des expositions, des programmes publics, ainsi que des textes critiques, ARTEXTE est un pilier culturel dont la portée est souvent méconnue, voire oubliée, auprès de la plupart de la population locale.

Si vous avez envie d’en apprendre plus sur ARTEXTE ainsi que sur ces géniales initiatives, je vous invite à consulter les liens suivants :

1. https://artexte.ca/exposition-periode/en-cours/
2. https://artexte.ca/app/uploads/2016/12/historique-artexte-1981-2016.pdf
3. https://artexte.ca/en/2020/11/the-virtual-guided-tours-of-artexte/

January is a month I have always particularly loved due to its celebratory and communal nature within my household. Although I could not gather with my extended family to celebrate Haiti’s Independence Day on January 1^st, 2021, my love for this month of historical remembrance remains as I was still able to savor soup joumou accompanied by my dear little sister and mother. Composed of simple ingredients – i.e., beef, root vegetables, potatoes, spices, and joumou (“squash”) – soup joumou is a savory dish whose historical background is as rich as its consistency and nutritional apport.

Said to have been drunk by Haitian people following their triumph against the French and the consequent declaration of Haiti’s independence on January 1^st, 1804, soup joumou is a culinary delicacy which was historically reserved to French colonizers. Indeed, prior to the Haitian Revolution, enslaved Haitian people were forbidden from eating nutritious foods, including the ones they were growing themselves (such as soup joumou’s main ingredient: joumou). Despite the sanctioned nutritional, physical, psychological, and spiritual torture enslaved Haitian people were subjected to, they nonetheless developed a connection with the land enabling them to aptly farm vegetables they would eventually be able to freely savour.

What most people—including myself prior to recent extensive research—ignore about soup joumou is that each of its ingredients were carefully selected by the first and only empress of what was then called Hayiti, Empire of Freedom, Empress Marie-Claire Heureuse Félicité. Furthermore, by personally serving soup joumou every year throughout the first week of January until she died, the Empress cemented the tradition of drinking and sharing soup joumou within Haitian communities on the 1^st of January. It is therefore thanks to Marie-Claire Heureuse Félicité, an overlooked historical Haitian figure, that the culinary iteration of Haitian resistance, resilience, and liberation was created and elevated to an intergenerational communal tradition filled with laughs, community gatherings, and blasting Haitian musical classics.

Before letting you go to your occupations, I would like to conclude this 10^th entry on the following quote by Dudley Alexis, producer of the movie Liberty in a Soup (2015): “every spoonful of soup is a reminder of the Haitian Revolution, a 12-year resistance by slaves that established the world’s first Black republic.”

P.S. If you would like an extensive overview of the incredible historical background of soup joumou, please feel free to click on the title of Dudley Alexis’ movie.

Qui dit mois nouveau, dit nouvelles recommandations mensuelles! Pour bien entamer ce mois dédié à la célébration de l’amour et à l’histoire des Noirs, mes trois nouvelles propositions mensuelles sont empreintes de tendresse et d’archives noires [oubliées]. Premièrement, je tiens à vous proposer le vinyle Night Train du Oscar Peterson Trio. Empreint de mélodies mélancoliques et suaves, ce vinyle est un chef-d’œuvre musical qui saura vous bercer en fin de soirée. Deuxièmement, afin d’honorer les récits oubliés de personnes noires et trans en ce mois de commémoration noire, ma recommandation littéraire du mois est Black on Both Sides (University of Minnesota Press) de l’auteur C. Riley Snorton. Finalement, histoire de continuer sur ma lancée farfelue du mois de janvier, je vous recommande la paire de chaussettes du mois, soit des chaussettes beiges à pois verts et jaunes.

Il y a de cela plusieurs années, j’ai découvert le secret bien gardé d’un quartier montréalais communément appelé La Petite Bourgogne. Au moment où ce grand secret m’a été dévoilé, on estimait généralement que la présence de personnes noires à Montréal-Tiohtià:ke (et même dans l’ensemble de la province de Québec) remontait aux vagues d’immigrations somme toute récentes des années 1980. Il se trouve que cette estimation était erronée, étant donné que, aussi tôt qu’en 1901, la Petite Bourgogne était un quartier principalement habité par des personnes noires d’origines caribéennes, américaines et canadiennes. En raison de sa proximité géographique avec les gares ferroviaires de Windsor et de Bonaventure, où plusieurs hommes noirs travaillaient en tant que porteurs et employés des wagons-lits et des wagons-restaurants, la Petite Bourgogne était l’arrondissement tout désigné pour que la population noire anglophone locale y élise domicile. Malgré la ségrégation et les actes racistes en découlant qui se multipliaient à Tiohtià:ke, les récits ayant survécu à l’amnésie collective locale présentent la Petite Bourgogne comme un quartier ou il faisait bon vivre.

Assister à des séances de cinéma en plein air au parc Chatham, nager dans le Canal Lachine, aller boire un verre dans des tavernes et des bars entre ami.e.s,  assister aux prestations musicales d’Oscar Peterson et de son frère, ou encore à celles de Nat King Cole, de Redd Foxx, ainsi que de Nipsy Russel en direct du Rockhead’s Paradise : voilà quelques-unes des nombreuses activités qui animaient le quartier. Malgré le fait qu’une grande partie de la population de la Petite Bourgogne a brutalement été dispersée en 1950 en raison de divers projets de développement urbain pilotés par le conseil municipal, plusieurs archives sonores, iconographiques et textuelles ont su résister à l’épreuve du temps et rendre compte de la vitalité du premier quartier noir de Tiohtià:ke.

Si vous avez envie d’en apprendre plus sur la présence historique d’Afro-Québécois dans le quartier de La Petite Bourgogne, je vous invite à cliquer sur le lien suivant :

I was first introduced to techno music a little over six years ago. When I first heard of this musical genre, I instinctively associated it with the following concepts: renowned festivals, European [music] history, and whiteness. At the time, little did I know that this genre, in a similar fashion to rock n’ roll, jazz, and blues (and I could go on), had been stripped of its political message(s) and Blackness. As highlighted by Lee DeVito’s article title in the Detroit Metro Times: “before techno was white and hedonistic, it was Black and political.” Indeed, in a similar fashion to jazz and blues, techno music was originally conceived as a reaction to Black struggle, as a by-product of African-American struggle, and more precisely as a form of protest.

Said to have emerged in the early 1990s in Detroit, techno music was brought to life and popularized by a Black and queer collective named Underground Resistance. Founded in 1989, “the Afro-futurist, anti-corporate, music-first/ego-never DIY” collective was revolutionary as it simultaneously put Detroit—i.e., an American city struggling with inner-city decay—on the international (musical) map and fostered safer underground spaces where Detroit’s poor Black communities could gather, dance, and create.

Another brilliant aspect of techno music is that its creators—Black and queer music producers based in Detroit and Belleville—used technology, the very tool that harmed them, to create a novel musical genre, and consequently a plethora of cutting-edge musical scenes. Although the initial social, political, and Black connotations and aspects of techno have faded from our collective memory(ies) with time due to the musical genre’s gentrification, its initial rebellious nature can still be felt today through the many musical genres it has inspired, such as hip-hop. Furthermore, many grassroot organization, artists, and filmmakers are currently actively working towards salvaging and recuperating the (Black) revolutionary history(ies) of techno music through their respective work. If you would like to know more about the (Black) origins of techno music, please consult the links below.

• Jenn Nkiru’s “Black to Techno”
• Underground Resistance Documentary
• Micah Salkind’s “Do You Remember House?”

Le mois de février est désormais terminé. L’arrivée du mois de mars cette année peut sembler plus ardue qu’auparavant étant donné qu’elle marque le premier anniversaire de la pandémie. Question d’apporter joie et soleil à ce mois dont le premier jour a été plutôt gris et maussade, je tiens à vous faire trois recommandations mensuelles.  Premièrement, je tiens à vous proposer la compilation Antilles Chéries : Compa/Cadence. Ce délice musical empreint de rythmes sensass et de mélodies éclatantes saura apprivoiser le soleil lors de journées nuageuses. Deuxièmement, je tiens à vous proposer l’œuvre littéraire Nouvelles d’ici, d’ailleurs et de là-bas (éditions de la Pleine Lune) rédigée par la géniale Marie-Célie Agnant. Finalement, afin de continuer à vous faire part d’archives et d’histories locales peu connues, je vous recommande le documentaire Ninth Floor réalisé par Mina Shum.

            Mon sujet du jour peut sembler plutôt dépassé pour certains étant donné que le mois de l’histoire des Noir.e.s vient tout juste de s’achever. Toutefois, c’est exactement en raison du fait que ce mois de commémoration vient de prendre fin que je tiens à partager une compilation d’artistes visuels locaux dans le cadre de ma treizième entrée à ce blog. Par le biais du partage, j’ose espérer que je pourrai aider autrui à en apprendre plus sur la panoplie d’artistes noir.e.s locaux, et cela, tout en faisant un rappel que l’histoire des Noirs s’écrit chaque jour et que 28 jours ne suffisent pas pour faire honneur à la complexité de ses récits, de ses cultures, de ses mœurs, de ses talents, et de ses innovations. Sans plus tarder, voici un portail au sein duquel vous serez en mesure de rencontrer virtuellement divers artistes noir.e.s locaux œuvrant dans le vaste domaine de l’art visuel. Bonnes rencontres et à bientôt!

1. Bliss – photographe & artiste multidimensionnelle

Instagram: https://www.instagram.com/mootandavisuals/
Site web: https://www.mootandavisuals.com/

2. Jade – joaillière

Instagram: https://www.instagram.com/hellojademo/
Boutique Etsy: https://www.etsy.com/ca/shop/JadeMoStudio

3. Teenadult – graphiste

Instagram: https://www.instagram.com/teenadultt/
Site web: https://teenadultt.com/

4. T A I N A – artiste réalisant des montages photographiques

Instagram : https://www.instagram.com/tainamueth/

5. Niti Marcelle Mueth – graphiste

Instagram: https://www.instagram.com/nitimueth/
Site web: https://nitimueth.com/
Exposition en cours: https://roundme.com/tour/668777/view/2128962/

6. DAKAMOMO – duo d’artistes multidisciplinaires formé de Monica et Morina Blain

Instagram: https://www.instagram.com/dakamomo/

7. Noka Palm Trees – artiste multidisciplinaire

Instagram: https://www.instagram.com/currygoatfables/
Site web: https://www.nokapalmtrees.com/

8. Anick Jasmin (BASTIK) – artiste multidisciplinaire

Instagram: https://www.instagram.com/anick.jasmin/

9. Oski – artiste multidisciplinaire

Instagram : https://www.instagram.com/oski.awoyo/

10. Jupiter Brown – artiste multidisciplinaire

Instagram : https://www.instagram.com/jupiter.brown/

11. Shaya Ishaq – artiste multidisciplinaire

Site web: https://www.shayaishaq.com/

12. Stina Baudin – designer de textiles

Instagram: https://www.instagram.com/ssteenaa/
Exposition en cours : https://www.neverapart.com/fr/expositions/revelations-revelations/

13. Schaël Marcéus – photographe et vidéaste

Instagram: https://www.instagram.com/schaelmarceus/
Site web: https://www.schaelmarceus.com/
Exposition en cours: https://roundme.com/tour/668777/view/2128962/

14. Gaëlle Elma – photographe

Instagram: https://www.instagram.com/gaelleelma/

15. Mallory Lowe Mpoka – artiste multidisciplinaire

Instagram: https://www.instagram.com/lowemallory/
Site web: https://linktr.ee/mallorylowe

16. Karl Ndebele – artiste multidisciplinaire

Instagram: https://www.instagram.com/accept__cookies/
Exposition en cours: https://icaonline.net/artwork/luvuyo-nyawose/

17. Ibiyanε – duo d’artistes multidisciplinaires composé de Tania Doumbe Fines et Elodie Dérond

Instagram: https://www.instagram.com/soldatsansfrontieres/ + https://www.instagram.com/orangsoutan/

18. Franco E. – artiste multidisciplinaire

Instagram: https://www.instagram.com/francorama/
Site web: https://francorama.work/

19. Damien Ajavon – designer de textiles

Instagram: https://www.instagram.com/damien.a.a/
Site web: https://damienajavon.com/Home

20. Michaëlle Sergile – curatrice et artiste multidisciplinaire

Instagram: https://www.instagram.com/michaellesergile/
Site web: https://en.michaellesergile.com/

21. Clovis-Alexandre Desvarieux – créateur visuel

Instagram: https://www.instagram.com/clopix/
Site web: https://www.clovisalexandredesvarieux.net/

22. Esther « Queen Esie » C-Bea – artiste multidisciplinaire

Instagram: https://www.instagram.com/artist_esie/
Site web: https://www.divinepiphany.com/esther-calixte-bea

23. Stanley Février – artiste multidisciplinaire

Instagram: https://www.instagram.com/stanleyfevrier/
Site web: https://www.fevrierstanley.com/bio

24. MALICIOUZ – peintre et muraliste

Instagram: https://www.instagram.com/maliciouzart/?hl=fr-ca
Site web: https://en.maliciouz.com/

Two weeks ago, I first introduced Blue Metropolis’s new summer program NEXT and hinted at the upcoming unveiling of its amazing events. Well, dear readers, the time has come! Here are the four events of Blue Metropolis’s novel [and amazing] summer program unfolding over the course of the second half of the month.

The first event of NEXT consists of a collaboration between Blue Metropolis and Librairie Racines, which premiered the afternoon of June 19th. Il y a des Noirs dans le futur (“There are Black people in the future”) looks at Black struggle and liberation through the lens(es) of Afrofuturism. Bringing together local Black creatives Lateef Martin and Léa Murat-Ingles in conversation with Racines founder Gabriella Kinté (Kinté has hinted at a capsule intereview with the other participant, Quentin Vercetty, who could not make the event in the end), this event will uncover the challenges of Black creatives as well as the intrinsic link(s) between Afrofuturism and Black liberation. Broadcast live on Librairie Racines’s Facebook page, the event is available to revisit here. 

The second event of Blue Metropolis’s new summer program took place on the afternoon of May 20^th. Consisting of a collaboration between Metonymy Press and Blue Metropolis, Tilting of the Earth: A Metonymy Solstice Showcase presents Metonymy authors Kama La Mackerel, Helen Chau Bradley, Eli Tareq El Bechelany-Lynch, and (in a separate video from Portland, OR) Callum Angus. “Brimming with words to soothe and destroy you,” the four authors shared literary iterations of the thoughts and feelings that emerged over the course of a “long dark solitary winter and tentative spring.” While the live recording of the event was broadcast over Instagram live via Metonymy Press’s account, the edited, fully-produced event video will premiere on Blue Metropolis’s Facebook page and YouTube channel no June 30^th, 7 p.m. 

On June 24th at 7:00 p.m., local authors Marcela Huerta, Daphné B., and Alex Manley will engage in a dialogue covering their work and experiences in and with translation, as well as their relationship(s) with multiple solitudes inherent to the Quebec literary landscape—cultural, linguistic, and geographic ones. In Translation: Bridging our Divide, a Metatron Press and Blue Metropolis collaboration, will also premiere on the Blue Met Facebook page and YouTube channel. 

Finally, an homage to GENDER B(L)ENDER rounds out this summer program. Presented in collaboration with Librairie l’Euguélionne, “HOMMAGE À GENDER B(L)ENDER” aims to honor the queer open stage, organized and hosted by pluridisciplinary artist and writer Kama La Mackerel, that was held the last Friday of every month from 2013 to 2018. Featuring Valérie Bah, Kai Cheng Thom, Roxane Nadeau, Kim Ninkuru, Tranna Wintour, and Chris Bergeron, the event will pay tribute to a former mainstay of the local queer scene that presented more than 600 performances from LGBTQ+ communities of all ages. The event will premiere on Blue Metropolis’s Facebook page and YouTube channel on June 29, 7 p.m. Be sure to tune in!

Le temps des aurevoirs est déjà arrivé. Eh oui, mon périple en tant que web-blogueur.se pour Metropolis Bleu tire à sa fin, et conséquemment, cet article marque la grande finale des péripéties de G L O W Z I. J’ai adoré rédiger des articles reflétant mes divers champs d’intérêts ainsi que les événements littéraires géniaux de Metropolis Bleu, et j’espère que vous avez appréciés lire mes créations littéraires au fil des dix derniers mois. Pour clore cette première aventure en tant que chroniqueur.se, je tiens à faire un retour succinct sur les premiers événements de la nouvelle et sensas programmation estivale NEXT de Metropolis Bleu.

Le 19 juin dernier, l’événement intitulé BLACK FUTURE a donné le coup d’envoi à la première édition de NEXT. Réunissant Gabriella Kinté, Lateef Martin et Léa Murat-Ingles, il avait pour principaux sujets l’Afrofuturisme, les défis des créateurs.trices noire.es, ainsi que la relation entre l’Afrofuturisme et la libération des Noir.e.s. Étant un.e artiste Noir.e avec un intérêt marqué pour l’Afrofuturisme, je n’ai pu que m’y intéresser particulièrement, comment s’en étonner? Puisque mes connaissances en ce qui a trait à l’Afrofuturisme sont déjà plutôt approfondies, le segment de l’événement qui m’a le plus marqué est celui au sein duquel Lateef Martin et Léa Murat-Ingles ont expliqué, ou plutôt démontré, comment l’Afrofuturisme et la libération des Noir.e.s sont intrinsèquement reliés. En démontrant comment l’Afrofuturisme peut être utilisé comme outil de libération pour les communautés noires à travers le monde, Lateef Martin et Léa Murat-Ingles ont brillamment introduit auprès de leur audience le monde de l’Afrofuturisme, et ce, tout en reliant ce dernier à leur propre vécu en tant qu’artistes noir.e.s.

Suivant ce magnifique événement d’ouverture, la première portion de l’événement TILTING OF THE EARTH: A METONYMY SOLSTICE SHOWCASE a eu lieu. Réunissant Kama La Mackerel, Eli Tareq El Bechelany-Lynch et Helen Chau Bradley, cet événement m’a fait ressentir une nostalgie que je pensais avoir surmonté il y a de cela plusieurs mois, soit la nostalgie d’assister à des événements open mic en personne. Bien que la manière dont l’événement a été filmé ait brillamment transmis l’atmosphère d’événements littéraires en plein air, et cela des décorations multicolores aux intermissions forcées en raison de travaux de construction avoisinants, je n’ai pu m’empêcher d’échapper un soupir suivi d’un souhait de pouvoir entendre les créations littéraires de Kama La Mackerel, Eli Tareq El Bechelany-Lynch et Helen Chau Bradley en personne sous peu.

Finalement, le 24 juin dernier, l’événement intitulé METATRON PRESENTS: BRIDGING OUR DIVIDE réunissant Daphné B., Marcela Huerta et Alex Manley et l’animateur.trice Ashley Opheim a eu lieu. Bien que l’événement dans son entier m’ait particulièrement interpellé.e, de la lecture d’extraits d’œuvres littéraires aux échanges d’opinions attrayant aux scènes littéraires anglophones et francophones locales, ce qui m’a le plus marqué.e est la manière dont les invité.e.s ont défini l’acte de traduire une œuvre littéraire. J’ai particulièrement apprécié la manière dont Daphné B. a défini l’acte de traduire comme étant l’art de re-rédiger un récit avec son auteur.e initial.e. Ayant des connaissances plutôt minimes en ce qui a trait à l’univers de la traduction littéraire, j’ai beaucoup appris au courant de cette conversation.

Si cela vous dit de visionner les événements mentionnés ci-dessus de votre plein gré avant d’assister aux derniers événements du mois de la programmation NEXT (le 29 juin, Gender B(l)ender, et le 30 juin, Metonymy version éditée/meilleure cinématographie en première), je vous invite, pour une dernière fois, à cliquer sur le lien suivant : https://metropolisbleu.org/next/ .

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G L O W Z I est une artiste multidisciplinaire œuvrant à Tiohtià:ke (“Montreal”). De la peinture au graphisme en passant par la production musicale, l’artiste laisse toujours sa curiosité la guider à travers divers et sublimes médiums artistiques. À travers ses œuvres et performances, G L O W Z I aborde plusieurs thèmes dont le « Blackness », le pouvoir, ainsi que la nostalgie. En représentant ses processus de pensée, ses difficultés, ses succès et ses échecs à travers ses œuvres, l’artiste multidisciplinaire invite quiconque pose ses yeux sur ses créations dans son univers artistique funky.

G L O W Z I is a multidisciplinary artist based in Tiohtià:ke (“Montreal”). From painting to digital drawing and music production, the artist always lets her curiosity guide her through the vast and majestic art world. Through her artistic pieces and performances, G L O W Z I explores various themes such as Blackness, power and nostalgia. By representing her ways of thinking, struggles, successes and failures through her pieces, the multidisciplinary artist conveys anyone whose eyes meet her creations to her funky artistic world.